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Título original: Panic in the Streets. Año:1950. Duración: 93 min. País: Estados Unidos. Dirección: Elia Kazan.  Guion: Richard Murphy (Argumento: Edna Anhalt, Edward Anhalt). Música:

Alfred Newman. Fotografía: Joseph MacDonald (B&W).

Reparto: Richard Widmark,  Paul Douglas,  Jack Palance,  Barbara Bel Gedes,  Zero Mostel,  Dan Riss,  Tommy Cook,  Alex Minotis,  Wilson Bourg Jr.,  Beverly C. Brown,  Lewis Charles,  Herman Cottman,  William A. Dean.  Productora: 20th Century Fox.

KAZAN Y EL NOIR DEL INMIGRANTE

     La cumbre cinematográfica del director de cine y teatro Elia Kazan es, sin duda, ‘La ley del Silencio’ (‘On the Waterfront’, 1954), con Marlon Brando en mente como ese mítico estibador portuario, expuesto a una banda de gángsters y a los estrictos códigos de honor de los muelles de New York. Cuatro años antes, Kazan filma una de sus películas menos conocidas, ‘Pánico en las Calles’ (‘Panic in the Streets’, 1950), un curioso thriller paramédico en el que ya desarrolla estas variables temáticas a las que siempre estará ligado: la precariedad laboral en las lonjas de contratación, la podredumbre del ambiente portuario y el desamparo social del inmigrante. La relación de los cineastas más alineados políticamente a la izquierda con el noir resulta especialmente palpable en este film, un estudio casi documental del submundo urbano de los Estados Unidos tras la II Guerra Mundial y un reflejo implacable de la incipiente paranoia que generará la Guerra Fría en los años 50 y 60 en la población estadounidense. Otra gran película a reivindicar, por muchos motivos, y que clausura este curso 2017-18 de grandes olvidados del cine negro, con la memoria a Mario Delgado siempre presente.

     Elia Kazan, nacido en Turquía en el seno de una familia griega, siempre tuvo una actitud especialmente sensible hacia la inmigración, el malestar social, el racismo y la discriminación laboral. Este compromiso se hace especialmente evidente en el ejercicio noir más claro de su carrera, ‘Panic in the Streets’ (1950), donde sólo el consenso social y político de los distintos estamentos públicos hace posible la erradicación del peligro que viene del exterior, en este caso, un brote de peste que amenaza a la población de New Orleans. Las múltiples  posiciones metafóricas están servidas, of course.

     La cinta no se muestra como una obra militante, en absoluto. Kazan imprime su especial gusto por la fotografía, un excelente B/N desarrollado por Joe McDonald, mediante prodigiosos encuadres que buscan la escenificación total del film, muy al estilo teatral del cineasta, y los planos secuencia altamente descriptivos, en el que destaca la escena en la que una joven mujer entra en el bar portuario donde se encuentra el Dr. Reed (Richard Widmark) para ofrecerle información. El paseo por los distintos rostros que acompañan a Reed en la barra es pura emotividad plástica.

     El progresivo desdoblamiento de la intriga mediante una estructura casi teatral entre el Bien y el Mal, es decir, entre la figura de Reed y la del delincuente Blackie (un debutante Walter “Jack” Palance) es tembién muy destacable. Desde el iniciático sentido del procedural en la morgue hasta la persecución final en un almacén de café, pasando por los desvaríos domésticos del matrimonio Reed o la remarcada figura de la ley que es el capitán Warren (Paul Douglas), el ‘Panic in the Streets’ de Elia Kazan se muestra como un tenso ejercico de suspense, un thriller cargado de símbolismo y conciencia que, a pesar de sus múltiples focos de interés, apenas sobresale en una de las carreras cinematográficas más influyentes y facinantes del cine americano. Un más que adecuado colofón a otro año de este ciclo de grandes olvidados.

                                          FERNANDO SABINO SEGUÍ

Empieza el espectáculo. Días 29 y 31 de Mayo. Cinemes OCIMAX de Maó

Título original: All That Jazz. Año: 1979. Duración: 123 min. País: Estados Unidos. Dirección: Bob Fosse. Guion: Robert Alan Aurthur, Bob Fosse. Música: Ralph Burns. Fotografía. Giuseppe Rotunno. Reparto: Roy Scheider,  Jessica Lange,  Leland Palmer,  Ann Reinking,  Ben Vereen,  Cliff Gorman,  John Lithgow,  Wallace Shawn. Productora: Columbia Pictures / 20th Century Fox.

Joe Gideon, alter ego de Bob Fosse, es un reputado coreógrafo y director de cine, además de un consumado mujeriego, alcohólico, adicto a las pastillas y al trabajo pero sobre todo un perfeccionista que le hace ser el mejor en lo que hace. Todo en su vida es espectáculo, incluso como afronta sus relaciones con los demás y como se enfrenta finalmente a la muerte. La mejor definición de Joe Gideon, la realiza el personaje interpretado por Ben Veeren al presentar su gran número final: “Este hombre se permitió ser adorado, pero no amado. Y su éxito en el negocio del espectáculo fue igual al fracaso en sus relaciones personales. Ahí fue donde verdaderamente fracasó. Y llegó a creer que el trabajo, el espectáculo, el amor, su vida entera, incluso el mismo, eran tonterías. Se convirtió en el jugador número uno hasta el punto en que no sabía dónde terminaban los juegos y empezaba la realidad”.

El actor Roy Scheider realiza una de las interpretaciones más logradas de su carrera, que a veces hace preguntarse si no es verdaderamente Bob Fosse el que está delante de las cámaras. No solo por la excelente caracterización del personaje, hecho a imagen y semejanza de Fosse, si no por la intensidad que transmite durante toda la película. Incluso en el número musical final, su interpretación no desentona aunque claramente se demuestra que no es su mejor cualidad. Por esta interpretación consiguió su primera nominación al Oscar como mejor actor principal, segunda si contamos su nominación como mejor actor secundario por “The french connection” en 1971. A pesar de su decadencia en papeles secundarios y en series de televisión hasta su muerte en el año 2008, siempre será recordado por sus dos papeles más destacables: el del jefe Brody de “Tiburón” y el del coreógrafo Joe Gideon.

L’altre frontera. Dies 22 i 24 de Maig de 2018. Cinemes OCIMAX Maó.

Título original: L’altra frontera. Año: 2014. Duración: 95 min. País: España. Dirección: André Cruz Shiraiwa. Guion: Aurora Sulli, André Cruz Shiraiwa. Música: Luc Suarez. Fotografía: Toni Anglada. Reparto: Ariadna Gil,  Biel Montoro,  Laura Rayón,  Johnny Melville  Productora: Cine de Garage.

Un país indeterminado, en la actualidad. Una mujer (Ariadna Gil) y su hijo (Biel Montoro) escapan de una guerra y, en su intento por cruzar la frontera, son internados en Tierra de Nadie, un extraño campo de acogida en el que deberán ir superando pruebas al modo de un reality show televisivo. Ya saben: desafíos, confesionarios, nominados, expulsados. «Es una alegoría social del sistema en el que vivimos. Y yo soy bastante crítico con el sistema: sus valores están pervertidos», asegura André Cruz Shiraiwa (Sao Paulo, 1971), director de L’altra frontera, un interesante drama distópico proyectado a competición en Sitges.

El drama de la inmigración, la televisión como espectáculo insensato, el totalitarismo orwelliano, la perversión del sistema, las fronteras sociales… «Es una distopía, sí, pero demasiado parecida al mundo real», advierte el director, nacido en Brasil, pero residente en Barcelona desde hace un montón años. «Network (Un mundo implacable), de Sidney Lumet, es una gran referencia para L’altra frontera: esa visión crítica de la televisión, del todo vale por la audiencia», afirma Cruz. A su lado, Ariadna Gil sonríe e intenta distensar la gravedad de esta charla. «Yo, si tuviera que buscar referencias, diría El reportero: la leyenda de Ron Burgundy, que en comedia bruta y burra viene a hablar de lo mismo. ¡Qué bueno es Will Ferrell!». Sobre Gil, precisamente, recae gran parte del peso del filme, sólida y contundente, estupenda como siempre, en el papel de madre en su lucha (catódica) por la supervivencia. «Me encantó el guion. Y no miento. Yo soy muy visceral en esto y sentí que era buenísimo desde el principio. Pensé que era una temeridad, que vaya huevos que había que tener para plantear una historia como esta. No se suele hacer aquí mucho cine así», asegura la actriz .

Una mujer fantástica. 15 i 17 de Maig. Sales OCIMAX Maó

Título original: Una mujer fantástica. Año: 2017. Duración: 104 min. País: Chile. Dirección: Sebastián Lelio. Guion: Sebastián Lelio, Gonzalo Maza. Música: Mathew Herbert. Fotografía: Benjamín Echazarreta. Reparto: Daniela Vega,  Francisco Reyes,  Luis Gnecco,  Aline Küppenheim,  Amparo Noguera,  Alejandro Goic,  Antonia Zegers  Productora: Coproducción Chile-España; Fabula / Komplizen Film / Setembro Cine.

El pulso entre el deseo y la ley define la esencia del melodrama contemporáneo, cuyos personajes centrales encuentran en la desobediencia el impulso para desencadenar el conflicto y, así, acceder al gesto heroico. Ya lejos de las claves del melodrama ejemplarizante, al otro lado del conflicto no aguarda necesariamente la tragedia, sino, en ocasiones, la emancipación y la conquista de una identidad. No debe de ser casual que el chileno Sebastián Lelio haya escogido el concepto de desobediencia para titular su primera incursión en el cine de habla inglesa: Disobedience, presentada en la última edición del festival de Toronto. Un título que le podía haber sentado tan bien a Gloria (2013) –su cuarto largometraje y su gran revelación internacional- como a esta Una mujer fantástica que, merecedora del premio al mejor guion en la Berlinale, llega ahora a nuestras pantallas.

En los tres casos, una misma constante: mujeres que desobedecen, que se rebelan contra el determinismo del rol social, los lenguajes impuestos y la tradición. En Gloria, Lelio mostraba a su protagonista en soledad, escuchando baladas románticas que esculpían la subjetividad femenina en modo de perpetua espera. Lo que le interesaba era el desajuste entre esos discursos sentimentales y la capacidad de su personaje para conjurarlos: Gloria acababa contando la historia de una mujer que se negaba a acomodarse a la construcción social que dessexualiza y niega la gestión del placer a toda mujer (sola) de mediana edad. En Una mujer fantástica, Marina –una Daniela Vega que hace más que honor al título- es una transexual que, tras la muerte de su amado, emprenderá una batalla insistente y solitaria contra el entorno familiar de este para reclamar su derecho al duelo.

Lelio aborda su relato como un problema de lenguaje que se despliega en un doble nivel: por un lado, subraya que, para sus antagonistas y según determina el prejuicio, Marina forma parte del campo semántico de la marginalidad –nadie le hablará de afecto, pero la sospecha de, entre otras cosas, el consumo tóxico no tardará en manifestarse-; por otro, deja que la propia película se transexualice constantemente, oscilando entre el melodrama y el thriller, el realismo y el desvío onírico o la extravagancia musical, las arias y la música disco, Lavoe y Aretha Franklin. Una mujer fantástica prolonga con coherencia el discurso de Gloria, pero también es una película más imprevisible y desconcertante, aunque, sobre todo, libre y felizmente abrumadora.