Cineclub. L’altre frontera d’André Cruz Shiraiwa

L’altre frontera. Dies 22 i 24 de Maig de 2018. Cinemes OCIMAX Maó.

Título original: L’altra frontera. Año: 2014. Duración: 95 min. País: España. Dirección: André Cruz Shiraiwa. Guion: Aurora Sulli, André Cruz Shiraiwa. Música: Luc Suarez. Fotografía: Toni Anglada. Reparto: Ariadna Gil,  Biel Montoro,  Laura Rayón,  Johnny Melville  Productora: Cine de Garage.

Un país indeterminado, en la actualidad. Una mujer (Ariadna Gil) y su hijo (Biel Montoro) escapan de una guerra y, en su intento por cruzar la frontera, son internados en Tierra de Nadie, un extraño campo de acogida en el que deberán ir superando pruebas al modo de un reality show televisivo. Ya saben: desafíos, confesionarios, nominados, expulsados. «Es una alegoría social del sistema en el que vivimos. Y yo soy bastante crítico con el sistema: sus valores están pervertidos», asegura André Cruz Shiraiwa (Sao Paulo, 1971), director de L’altra frontera, un interesante drama distópico proyectado a competición en Sitges.

El drama de la inmigración, la televisión como espectáculo insensato, el totalitarismo orwelliano, la perversión del sistema, las fronteras sociales… «Es una distopía, sí, pero demasiado parecida al mundo real», advierte el director, nacido en Brasil, pero residente en Barcelona desde hace un montón años. «Network (Un mundo implacable), de Sidney Lumet, es una gran referencia para L’altra frontera: esa visión crítica de la televisión, del todo vale por la audiencia», afirma Cruz. A su lado, Ariadna Gil sonríe e intenta distensar la gravedad de esta charla. «Yo, si tuviera que buscar referencias, diría El reportero: la leyenda de Ron Burgundy, que en comedia bruta y burra viene a hablar de lo mismo. ¡Qué bueno es Will Ferrell!». Sobre Gil, precisamente, recae gran parte del peso del filme, sólida y contundente, estupenda como siempre, en el papel de madre en su lucha (catódica) por la supervivencia. «Me encantó el guion. Y no miento. Yo soy muy visceral en esto y sentí que era buenísimo desde el principio. Pensé que era una temeridad, que vaya huevos que había que tener para plantear una historia como esta. No se suele hacer aquí mucho cine así», asegura la actriz .

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AULA DE MÚSICA. Oberta la preinscripció

A l’aula de música de l’Ateneu tenim com a objectiu despertar l’interès per la música als nostres fillets/es, aprendre a estimar-la  i  a gaudir-ne. Oferim uns ensenyaments musicals a partir de les primeres edats. Treballem de manera flexible tot adaptem-nos al ritme d’aprenentatge i a les necessitats i motivacions dels nostres alumnes . Es treballa la música com un tot: llenguatge musical, cançó, dansa, pràctica instrumental, audició, relaxació de manera molt pràctica i sensorial. Per a una banda tenim les classes col·lectives de sensibilització, llenguatge musical i conjunt instrumental, i d’altra banda les classes individuals d’instrument (També per adults).

 CLASSES COL·LECTIVES

⃝    “Música per a compartir” per a famílies amb fillets de 6 mesos a 3 anys

⃝ Sensibilització musical per a fillets de  3 a 6 anys.

⃝ Llenguatge musical a partir de 7 anys

 CLASSES INDIVIDUALS A PARTIR DE 7   ANYS

Per a matricular-se d’un instrument s’haurà    d’anar a  classe de llenguatge musical mínim fins als 9 anys o tenir- ne coneixements previs.

Instruments que s’ofereix des de l’Aula de Música:

⃝ Violoncel, Violí, Flauta travessera, Guitarra, Piano, Arpa, Contrabaix/baix elèctric i Fagot

DATES PREINSCRIPCIONS I MATRÍCULA

 Les matrícules seran dimarts dia 29 i dimecres dia 30 de juny de 19:30h a 20:30h. També dimarts dia 11 i dimecres dia 12 de setembre  de 19:30h a 20:30h.

Documentació necessària:

  • Full de preinscripció emplenat.
  • Resguard de l’ingrés de matrícula al nombre de compte:

ES65 2100 0055 5002 0077 2179

  • Acreditació de soci de L’Ateneu (nous alumnes)

 

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Cineclub. ‘Una mujer fantástica’ de Sebastián Leilo

Una mujer fantástica. 15 i 17 de Maig. Sales OCIMAX Maó

Título original: Una mujer fantástica. Año: 2017. Duración: 104 min. País: Chile. Dirección: Sebastián Lelio. Guion: Sebastián Lelio, Gonzalo Maza. Música: Mathew Herbert. Fotografía: Benjamín Echazarreta. Reparto: Daniela Vega,  Francisco Reyes,  Luis Gnecco,  Aline Küppenheim,  Amparo Noguera,  Alejandro Goic,  Antonia Zegers  Productora: Coproducción Chile-España; Fabula / Komplizen Film / Setembro Cine.

El pulso entre el deseo y la ley define la esencia del melodrama contemporáneo, cuyos personajes centrales encuentran en la desobediencia el impulso para desencadenar el conflicto y, así, acceder al gesto heroico. Ya lejos de las claves del melodrama ejemplarizante, al otro lado del conflicto no aguarda necesariamente la tragedia, sino, en ocasiones, la emancipación y la conquista de una identidad. No debe de ser casual que el chileno Sebastián Lelio haya escogido el concepto de desobediencia para titular su primera incursión en el cine de habla inglesa: Disobedience, presentada en la última edición del festival de Toronto. Un título que le podía haber sentado tan bien a Gloria (2013) –su cuarto largometraje y su gran revelación internacional- como a esta Una mujer fantástica que, merecedora del premio al mejor guion en la Berlinale, llega ahora a nuestras pantallas.

En los tres casos, una misma constante: mujeres que desobedecen, que se rebelan contra el determinismo del rol social, los lenguajes impuestos y la tradición. En Gloria, Lelio mostraba a su protagonista en soledad, escuchando baladas románticas que esculpían la subjetividad femenina en modo de perpetua espera. Lo que le interesaba era el desajuste entre esos discursos sentimentales y la capacidad de su personaje para conjurarlos: Gloria acababa contando la historia de una mujer que se negaba a acomodarse a la construcción social que dessexualiza y niega la gestión del placer a toda mujer (sola) de mediana edad. En Una mujer fantástica, Marina –una Daniela Vega que hace más que honor al título- es una transexual que, tras la muerte de su amado, emprenderá una batalla insistente y solitaria contra el entorno familiar de este para reclamar su derecho al duelo.

Lelio aborda su relato como un problema de lenguaje que se despliega en un doble nivel: por un lado, subraya que, para sus antagonistas y según determina el prejuicio, Marina forma parte del campo semántico de la marginalidad –nadie le hablará de afecto, pero la sospecha de, entre otras cosas, el consumo tóxico no tardará en manifestarse-; por otro, deja que la propia película se transexualice constantemente, oscilando entre el melodrama y el thriller, el realismo y el desvío onírico o la extravagancia musical, las arias y la música disco, Lavoe y Aretha Franklin. Una mujer fantástica prolonga con coherencia el discurso de Gloria, pero también es una película más imprevisible y desconcertante, aunque, sobre todo, libre y felizmente abrumadora.

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Cineclub. Soñadores de Bernardo Bertolucci

Soñadores. Dies 08 i 10 de Maig de 2018. Cinemes OCIMAX Maó.

Título original: The dreamers. Dirección: Bernardo Bertolucci.  Países: Reino Unido, Francia e Italia. Año: 2003. Duración: 120 min. Interpretación: Michael Pitt (Matthew), Eva Green (Isabelle), Louis Garrel (Theo), Robin Renucci (Padre), Anna Chancellor (Madre), Florian Cadiou (Patrick). Guión: Gilbert Adair; basado en su novela “The holy innocents”. Producción: Jeremy Thomas. Fotografía: Fabio Cianchetti. Montaje: Jacopo Quadri. Dirección artística: Jean Rabasse. Vestuario: Louise Stjernsward. Estreno en España: 17 Octubre 2003.

Bertolucci vuelve la vista atrás para recuperar el espíritu de Mayo del 68 a través de la cinefilia, el sexo y la política. Su mirada, sin embargo, no es solo nostálgica sino que también se proyecta hacia el futuro, hacia esos jóvenes espectadores que, desde el presente, contemplarán a los protagonistas del film como unos extraterrestres que, hace apenas 35 años, soñaban con cambiar el mundo. No resulta difícil identificar los fantasmas del cineasta italiano en el peculiar trío integrado por dos hermanos franceses con tendencias incestuosas y un joven norteamericano fascinado por el París de la Cinémathèque y de la Nouvelle Vague. Tampoco es casual que uno de estos personajes esté interpretado por el hijo de Philippe Garrel, pero se parece a Jean-Pierre Léaud, que también aparece en el film. O que otro tenga rasgos similares a Brando y se encierre en un apartamento de la capital francesa en la que el sexo deviene un ejercicio más enfermizo que liberador. En Soñadores hay autohomenajes a El último tango en París y otros films del propio Bertolucci. También aparece un padre autoritario que escribe poesía, hay que elegir entre Chaplin y Keaton y se rinden tributos a Truffaut, Godard o Bresson. Los ensueños cinéfilos de los protagonistas devienen mortales pero, lejos de cualquier nihilismo, es la realidad quien les devuelve a la vida y les enfrenta al compromiso con una realidad identificada por un ladrillo o un cóctel Molotov. Bertolucci propone ahora unas opciones que quizá no serían las de entonces, pero, no por casualidad, recurre a una estrofa de Édith Piaf para concluir su película. Como la cantante francesa, el director tampoco se arrepiente de nada. Para recordar el Mayo del 68 sin frustraciones y proyectarlo hacia el futuro.

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Tertúlia amb la Dra. Hortènsia Puig i Asens. Dimarts 8 de Maig a les 20,00 h Sala Tertúlies.

Hortènsia Puig i Asens és barcelonina i llicenciada en pedagogia de l’educació; s’especialitza i treballa en logopèdia, psicomotricitat i psicoteràpia infantil. Es llicencia en geografia i història especialitzant-se en antropologia cultural i alhora es llicencia en medicina i cirurgia. Realitza estudis de postgrau en medicina tropical i en psiquiatria, així com els temes de doctorat. Dedica la seva investigació a l’estudi holístic de l’ésser humà. Uns anys més tard, entra en contacte amb les cultures orientals: viatges i estades a l’Índia i a diferents països del sud-est asiàtic, coneixent i treballant amb diverses tècniques terapèutiques i profilàctiques. Es trasllada als EUA on entra en coneixença amb diferents tècniques i teràpies de salut holística. Realitza un estudi comparatiu i antropològic per diferents països de Sud-amèrica: Brasil, Bolívia, Veneçuela, Perú,… Actualment segueix investigant en la docència del ioga, relaxació i les diferents tècniques integrades de gimnàstiques holístiques, enfocades al benestar integral de la persona dins el marc de l’etno-medicina.

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Viatge a la terra dels nuraghes. Cultura i Art. Dissabte 5 de maig a les 12,00h.

Dissabte dia 5 a les 12,00 h. tindrem a l’Ateneu, Sala A. Victory, una xerrada per part d’una representació dels sards residents a Menorca qui ens parlarà de la seva terra. Hi seran acompanyats pel grup de cant tradicional Bitti Remunnu ‘E Locu, un dels més antics que es conserven arreu del món. Podrem conèixer de primera mà les característiques d’una illa tan idèntica a la nostra i no obstant tan llunyana, que no distant.

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Conferència. Drogues, organitzacions criminals i blanqueig. Divendres 4 a les 20,00 h

Adrián Salazar Larracoechea, Fiscal Antidroga de les Illes Balears, ens parlarà de Drogues,organitzacions criminals i blanqueig. Serà el proper divendres 4 de maig a partir de les 20,00 h a la Sala A. Victory de l’Ateneu de Maó. Tot plegat dins del cicle que s’ha vingut organitzant des de DEBAT a BAT… espai obert. Bona oportunitat per saber de primera ma la realitat d’aquest mon a les illes.

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Cineclub. Su mejor historia de Lone Scherfing

Su mejor historia. Dies 24 y 26 de Abril de 2018, cinemes OCIMAX de Maó

Título original: Their Finest.  Año: 2016. Duración: 117 min. País: Reino Unido. Dirección: Lone Scherfig. Guion: Gaby Chiappe (Novela: Lissa Evans). Música: Rachel Portman. Fotografía: Sebastian Blenkov. Reparto: Gemma Arterton,  Sam Claflin,  Jack Huston,  Bill Nighy,  Jake Lacy,  Paul Ritter,  Rachael Stirling,  Richard E. Grant,  Henry Goodman,  Jake Lacy,  Jeremy Irons,  Eddie Marsan,  Helen McCrory,  Hubert Burton,  Claudia Jessie,  Stephanie Hyam. Productora: BBC Films / Number 9 Films / Wildgaze Films.

Cine dentro del cine ofreciendo buen cine, el resultado ‘Su mejor historia’. Lone Scherfig ha adaptado la novela de Lissa Evans a la gran pantalla con la delicadeza de un artesano ofreciendo un producto dulce, alegre, ligeramente dramático y tremendamente disfrutable. Película inesperadamente agradable, te envuelve sin ahogarte mientras va seduciéndote sutilmente, y una vez lo consigue deja en ti una placentera sensación de satisfacción.
Merecido aplauso para Gemma Arterton en el que es uno de sus mejore papeles, su dulzura y suave feminidad robarán toda tu atención y puede que parte del corazón. Ella y Bill Nighy han entendido a la perfección el tono requerido y se mueven como si de verdad formarán parte de la película. Si además podemos disfrutar de una trabajada fotografía y vestuario el resultado final no puede ser menos que su título, ‘Su mejor historia’.
Una comedia romántica que puede parecer típica, nada más lejos de la realidad, bebe de ambos géneros pero con suficiente elegancia como para elaborar un estilo propio. ‘Their Finest’ es un placentero viaje al mundo del cine a través de un celuloide de los de antaño, proyectado con tanta delicadeza que a lo mejor no llega a enamorarte pero seguro conseguirá tu aprobación.

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Cineclub. Born to be blue de Robert Budreau

Born to be blue. 17 i 18 d’abril, cinemes OCIMAX a Maó.

Título original: Born to be blue. Año: 2015. Duración: 97 min. País: Canadá. Dirección: Robert Budreau.  Guion: Robert Budreau. Música: David Braid, Todor Kobakov, Steve London. Fotografía: Steve Cosens. Reparto: Ethan Hawke,  Carmen Ejogo,  Callum Keith Rennie,  Stephen McHattie,  Janet-Laine Green,  Tony Nappo,  Tony Nardi,  Charles Officer,  Katie Boland,  Janine Theriault,  Dan Lett,  Joe Condren.  Productora:Coproducción Canadá-GB; Lumanity Productions / New Real Films / Productivity Media / Black Hangar Studios.

El director canadiense Robert Budreau aborda la figura del trompetista, cantante y músico de jazz Chet Baker (1929 – 1988) quien conoció un período de gran popularidad durante la década del 50. Al hacerlo, recrea dramáticamente momentos decisivos de su vida aunque introduciendo ciertos personajes de ficción. De este modo, el relato libremente improvisado por el realizador puede que no obtenga la conformidad total de los puristas del jazz; sin embargo su ingenioso enfoque, cuidada realización y la actuación maravillosa de Ethan Hawke en su mejor trabajo para el cine contribuyen a que Born To Be Blue resulte un film meritorio.

La historia comienza a principios de la década del 60 donde Baker (Hawke) se encuentra arrestado en una cárcel de Italia por drogadicción. Allí, un productor de Hollywood le ofrece actuar en un film basado en su propia persona. Eso obviamente no ocurrió en la realidad, pero de todos modos constituye un recurso para que el realizador introduzca aspectos de su exitosa carrera en los años 50 como músico de jazz; al propio tiempo enfoca cómo a través de una de sus amantes es inducido a la heroína, cuyo consumo lo marcó dramáticamente durante casi toda su existencia de persona adulta.

De retorno a los años 60, se observa el romance del trompetista con Jane (Carmen Ejogo), quien es su incondicional aliada; ella será la que ayudará a que Baker recupere la confianza en sí mismo tras una gran paliza recibida después de un concierto por parte de un grupo de traficantes de drogas en un parque de estacionamiento; ese hecho lo dejó maltrecho sobre todo en su dentadura para seguir tocando la trompeta. Frente a esos difíciles momentos en que su futuro como músico resulta incierto, además de recibir el apoyo de Jane logra que su reluctante agente y productor Dick Block (Callum Keith Rennie) le ofrezca una nueva oportunidad para que su alicaída carrera cobre nueva vida. Con todo, su fuerte adicción a la droga es el talón de Aquiles del cual no logra desprenderse en casi toda su existencia de persona adulta.

El film se valoriza por la notable interpretación de Hawke transmitiendo intensamente la sensibilidad y humanidad de una persona fallida que sabiéndose altamente vulnerable por su cruel adicción, trata de redimirse a través de la música; otro aspecto destacable es su habilidad como vocalista, especialmente cuando canta “My Funny Valentine” con una singular calidez y melancolía. .Igualmente merece elogios la caracterización que realiza Ejogo de su ficticio personaje.

Un aspecto importante que el realizador tuvo en cuenta es filmar el relato central en colores en tanto que el “film dentro del otro” es efectuado en blanco y negro para recrear más apropiadamente la iconografía visual y fotográfica que caracterizó al jazz de los años 50.

De primer nivel es la fotografía de Steve Cosens como los diseños de producción de Aidan Lerux. Final­mente es de significativa importancia el aporte del compositor y arreglador musical y pianista David Braid, ampliamente versado en el jazz americano, como así también la del trompetista Kevin Turcotte resaltando las cualidades de Baker.

Más allá de que los amantes del jazz estén o no conformes con la aproximación de Baker según la visión de Budreau, este logrado film constituye un bello tributo a quien fuera una de las figuras más prominentes del jazz americano del pasado siglo.

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Cinema negre. La ventana de Ted Tetzlaff.

The Window. Dilluns 16 a les 19,45 h Sala A. Victory. Ateneu de Maó

Título original: The Window. Año: 1949. Duración: 73 min. País: Estados Unidos. Dirección: Ted Tetzlaff  Guion: Mel Dinelli. (Novela: Cornell Woolrich).Música: Roy Webb. Fotografía: William Steiner (B&W). Reparto : Barbara Hale,  Bobby Driscoll,  Arthur Kennedy,  Paul Stewart,  Ruth Roman,  Brick Sullivan,  Lee Phelps,  Richard Benedict,  Tom Coleman,  Ken Terrell,  James Nolan  Productora: RKO Radio Pictures.

EL MENTIROSO Y EL LOBO, SEGÚN CORNELL WOOLRICH

     “El niño gritaba: « Aquí viene el  lobo, el lobo». Lo repetía y, cada vez, la gente del pueblo venía para socorrerlo… hasta que se dieron cuenta que no había ningún lobo”.

     El pastor mentiroso y el lobo, la mítica fábula de Esopo,  es la premisa argumental de un pequeño relato de Cornell Woorich llamado ‘The Boy Who Cried Murder’, publicado en su libro de 1944 ‘Phantom Lady’. El guión de ‘La Ventana’ (‘The Window’, 1949) adapta esta historia de un chaval de 10 años llamado Tommy Woodry (interpretado por la entonces estrella infantil de la Disney Bobby Driscoll) que, para sobrellevar el tedio del barrio marginal en el que reside con sus padres, inventa historias cargadas de imaginación y fantasía…hasta que presencia un crimen real y nadie le cree. Realizada por Ted Tetzlaff, buen fotógrafo en el Hollywood de los años 30 y 40, acreditado en títulos como ‘Me Casé con una Bruja’ (‘I Married a Witch’, René Clair, 1942), ‘ El Asunto del Día’ (‘The Talk of the Town´, George Stevens, 1942) o ‘Encadenados’ (‘Notorious’, Alfred Hitchcock, 1945), éste fue  uno de sus trabajos como director más reconocidos, a pesar de ser un film pequeño, amparado por la serie b y filmado con escasísimos medios.

     Tetzlaff hace gala de su talento como director de fotografía con una puesta en escena nocturna, muy oscura, que acapara casi todo el metraje. La atmósfera amenazante, claustrofóbica, y el excelente manejo de la tensión narrativa convierten ´La Ventana’, desde su modestia y su planteamiento infantil aparentemente inofensivo, en una pequeña exquisitez noir imprescindible para los paladares reivindicativos de este ciclo.

     Cornell Woolrich es uno de los autores cuya dedicación literaria a la novela negra -y a la industria cinematográfica, tanto estadounidense como europea- refleja una personalidad apasionante por temática, referencias, estilo y ciertas fijaciones, lo que deja entrever también una turbulenta y destartalada existencia. Dos de estos lugares comunes que caracterizaron la creatividad de Woolrich, los equívocos de la infancia y el vouyerismo, se dan cita en ‘La Ventana’ de Ted Tetzlaff, ejercicio noir ligero y suave, casi minimalista, dirigida a un público muy amplio para la RKO Pictures. Debemos recordar que el clásico voyeur por excelencia de Hitchcock, ‘La Ventana Indiscreta’ (‘Rear Window’, 1954), con elementos argumentales muy parecidos al film de Tetzlaff, también se basa en un cuento del escritor de Nueva York (‘It Had to be Murder’, 1942).

     Tetzlaff, quien también había trabajado con Hitchcock en ‘Encadenados’, sirve un ejercicio de suspense cargado de simpleza, rodado en su mayor parte en interiores muy reconocibles bajo mucha austeridad narrativa (y económica, of course), pero que poco o nada tiene que envidiar al legendario maestro del suspense, al menos en el apartado técnico. Nuestro añorado Mario Delgado destacó muchas escenas sobresalientes de esta pieza de orfebrería noir en su libro; a éstas podría incluirse la persecución final por la casa en ruinas del vecindario donde se desarrolla la película. Un prodigio de encuadres, sombras y ángulos inverosímiles magníficamente ensamblados por el film editor Frederic Knudtson, y que obtuvo una nominación al Oscar al Mejor Montaje en el año 1950. Una pequeña gran mención para esta pequeña gran película, un más que venerable estímulo para este género.

                                                         FERNANDO SABINO SEGUÍ

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